Article 1

 

Ayyad Al Nimer's Art Brings to the Fore Subterranean Emotions
by Meg Abu Hamdan
Special to the Jordan Times

 

     AMMAN -   There is an intensity and sincerity in the work of Ayyad Al Nimer, now on show at the Spanish Cultural Centre, to which one instantly responds. It is as if this reserved artist has laid bare his soul and in so doing produced powerful works of art that reach deep into the unconsciousness, bringing to the fore subterranean emotions myths and superstitions by which all humanity is forever linked.​


      Surprisingly the artist releases these complex feelings by a very restricted method of expression and technique. The technique is lithography, by which Nimer produces one-off black and white prints with staggering abundance, the ones on exhibition being just a few of the hundreds that fill his studio. His style is figurative in which he draws obsessively with telltale expertise despite its simplicity, the same kind of face, expression and figures.


      Put in as simple terms as this one starts to wonder why that artist's work is so effective. Certainly the fact that they are in black and white (the tones of which all the mounts should have been restricted to) enhances the strength, of prints augments their potency, for the viewer is not distracted by the feelings. Nimer himself says he feels more free working in black and white and the resulting uninhibited spontaneity, the sureness of line are often inspirational.


      But the real power of Nimer's work comes not from the lack of color, not even from his figures but from the swirling sweeping strokes and the alien symbols and hieroglyphics of the background, which belie the apparent simplicity of the artist's work. The naked vulnerability of strange childlike figures contrasts strongly with the dynamism of these thick black yet transparently encircling lines, while their calm impenetrable masks which exude the same remoteness as the classical portraits that were found under the ashes of Pompeii, of its ancient Roman citizens, are just facades underneath which - the background tells us - seethe a mass of deep but obscure emotions. Finally it is the hieroglyphics that provides the ultimate paradox in Nimer's work, for it is form these unfathomable, yet vaguely familiar symbols - about which there is something mysteriously religious, but "of a religion before all religions" - that arouse primitive, primeval feelings totally at odds with the prints modern sophistication.


      With this, his first solo exhibition, Nimer has not only established himself as one of the country's leading artists but has revealed an enormous future potential.

Article 2

 

Nimer's Originality Produces Chaos on Canvas
By Meg Abu Hamdan
Special to the Jordan Times

 

   Amman - Periodically, Ayyad Al Nimer will come up to you and with a pleased and excited glint in his eye will tell you, "I have done some new work." The pilgrimage up to his house in Ashrafiah to see these latest achievements is always well rewarded for amongst the hundreds of drawing, sketches and etchings that simply pour out of this prolific artist, there will be many stimulating new pieces to see. The last time this happened, it was to see the paintings which are now on display at Alia Art Gallery.


      The paintings in this Nimer's third solo exhibition in as years are unique combinations of the figurative with the abstract. Impressed by the life he saw in the rural parts of Jordan, Nimer came back and began exploring the theme, combining the images he saw there with his own inspirational brand of daring abstraction. The results are marvelous mixtures that never fail to work, for Nimer has an unerring eye for exciting color combination and composition.


     Going wild


      Although it is hard to generalize, the paintings do follow a certain format, the focal point being some beautifully rendered reality, like riding a donkey or a horse picking grass from between the stones or a tethered cow patiently waiting. After that things start to get a bit wild. For, although behind these creatures are the small blocky houses, those spontaneous combinations of cubes that slope this way and that, that are so typical of the villages here. the colors in which they are painted - dark bottle greens, magentas - makes their forms increasingly abstract, especially when their doors and windows are indicated only by squares of bright yellows, purples and pinks. from there it is a small step to pure abstraction that reigns above and below.


     Harmony and contrast


      Nimer's abstraction cleverly takes two strikingly contrasting forms which, by complementing and harmonizing with what has gone before, gels the whole composition together. Thus the unstructured, loosely dynamic areas of sometimes thick impasto, sometimes thin, transparent paint, that rises up in layers, echoes the more organic forms. Meanwhile the rigid lines of pure bright colors that look like the rainbows a prism throws out when it is hit by the sparkling rays of the sun, repeats the geometrical forms of the pictures. At the same time as holding the composition together, the play of these contrasting elements make for an exciting and original images.
Unthinkable combinations​

      Nimer's flower paintings also utilize this play of different forms for their effect. This time the more  ordered element is the background which is composed of two dimensional squares and rectangles of which the vase forms part. Although Nimer uses more muted colors here he still juxtaposes unthinkable combinations successfully. Against this carful setting, Nimer places a large circular amorphous mass of leaves and petals that fill the center of the canvas with a flurry of wild disorder and chaos.


     Art Review​

      It is a wonderfully different way to paint that much depicted vase of flowers and it is this ability to handle courageous color combinations and innovative compositional formular, this ability to use exciting contrasts - especially the traditional with the new and blend them successfully that sets Nimer apart and marks him out as an immensely original creative artist.​

Article 5

 

التشكيلي عياد النمر

بهاء الأمكنة و فتنة التجريد

آمـــنة النصــيري

 

على نحو خاص ينجز التشكيلي العربي (عياد النمر) ، محامله التشكيلية ، وفق مبادئ فنية جمالية حداثية تتراوح بين التجريد الهندسي والتجريد التعبيري.

          حيث تمكن في متواليات تجاربه المختلفة أن يصوغ خطاباً بصرياً يستند على معجمه الفني المشبع بحضور ذاته المبدعة المغامرة وخبراتها المنفتحة على ضروب متعددة من معارف الثقافة الكونية ، وهو ما يفسر استغراقه في عصره ، وتساوق نتاجه الفني مع أنساق و اتجاهات مجايليه من الفنانين عربياً ودولياً ، تلك الاتجاهات المفتونة بتمرد الحداثة ، وبجاذبية التجريد .

**********

تنحو السطوح التصويرية لــــ (عياد النمر) إلى تبسيط الشكل ، فهي تنأى عن سردية التفاصيل ، معتمدة على مهارات تصميمية واعية للمساحات الملونة المتخذة أشكالاً هندسية تتداخل وتتقاطع أفقياً وعمودياً ، كما تتجاور وتتموضع في تراتبية لا تخلو من العفوية ذلك أن معطيات الشكل المحدودة العناصر والقائمة على آلية مدروسة لتوزيع السطوح والخطوط بناءاً على معايير التوازن بين كلاً من السكون والحركة, تتمعن في البقاء داخل مبدأ من التناسب المعكوس مع الخارج المرئي ، إذ يحكم علائقها نظام خفي موصول بالوعي واللاوعي في آن معاً ، بذات الرسام وبالذاكرة الجمعية ، بالمنتهى والمغلق, في تمامية الصورة ، وباللاتناهي في الأشكال الممتدة المنفتحة على فضاء صرف يتجاوز وظيفته الفنية إلى دال رمزي لحركة كونية سديمية رحبة ، تتبدى في استرسال المستطيلات والمربعات المتقاطعة والخطوط المتعامدة وأنصاف الدوائر.

 

 

 

هنا يصعب تعيين حدود اللوحة ونهايات الشكل ، أو محور (مركز) اللوحة ، فكل حيز فيها هو محور ، وهو جزء من كلية التكوين ، مثلما هو الفراغ الأبيض ، مجالاً دلالياً للبناءات المبهمة.

          وإن التغير والحيوية مع الثبات والسكون الرصين أضداد تكمن في القيم التشكيلية الهندسية داخل العمل الفني القابل للتركيب والتحول الدائم بدرجة أكثر وفرة منه في النطاق الواقعي ، ففي الفن تتوفر النظم الرمزية الحاملة للتكون والجدلية المفتقرة إلى المركزية التي تقود إلى مسائل فلسفية ، وأنثروبولوجية ذات طابع طوطمي بالإضافة إلى الأغراض الفنية ، ذلك لأن الاستكثار من الخطوط والمساحات الإنشائية ومواربة القيم الهندسية بما لها من قابلية عالية على توليد استعارات وتأملات بصرية – ذهنية كونها أحد مصادر أساسية لنظم العلاقات التي أنشأها العقل البشري الجمعي منذ بدايات نموه ، وما يحدث في هكذا تجارب أن الفنان يحرض العين والمخيلة لدى الملتقى على إبدال الدلالات المنطقية والبنى العقلانية بسلسلة من الإشارات والرموز والاستعارات والمجازات المتغيرة باستمرار ، فضلاً عن أن الرمزي يتصل بالخيالي ، والاثنان يتسمان بالتبدل مما يوجد فرص باذخة لتفعيل مخيلة المشاهد ، بغرض التصور والخلق والتشكيل ، و تركيب المعاني ، وتحديد العلاقات الدالة ، وبحسب تعبير فيكتور هوجو ( كل شيء يبدل شكله ، حتى الشيء الذي لاشكل له ). 

الفنان  ينتج في هذه التجارب حالة تأملية ، لا ينفك يبحث أثناءها في ميتافيزيقا الحضور المجرد الدال ، هكذا تتحول الأعمال إلى حيز جمالي ونظام خلاق ، يصل المادي باللامادي  والحسي بالمتعالي ، والداخل بالخارج.                                                     

في تجارب (عياد النمر) تلميح خافت بالأمكنة ، على رغم استغراقها التجريدي ، يتراءى الحضور المكاني من خلال مبدأ التنافذ بين السطوح والتنوع الملمسي لها ، مع تعتيق للعجائن اللونية , يستحضر ما يشبه جدران المنازل الملونة في الأحياء العربية ، كذلك يعمد الفنان الى موضعة بعض الفتحات والمربعات في أجزاء من التكوينات ، آنذاك يتضاعف الحضور اللامعلن للمكان ، وهذا التحول الطفيف من التجريد المحض يشير إلى حساسية الرسام في تمرير الإزاحات المتنوعة ، لتحقيق مستويات متمايزة من الاستجابات الفنية والتي تتوازى مع مرامي النص الذي جهد في تدوينه ، عبر العثور على مايمكن أن نسميها بالضرورة الداخلية لحيوية المادية ، والتقاط اللحظة المبدعة التي ساعدته على الولوج الآسر إلى مسالك التجريد المنفتح أبداً على مدى فضائي يتملص من الإدراكات الظاهرية للواقع ، في سبيل تأكيد يقينية المجرد في مقابل نسبية المحسوس ، على هذا النحو تتخلق ثنائية ضدية بين الحضور الداخلي للشكل المؤسس على المرجعيات التجريدية المحملة في طياتها بالتلغيز والغموض ، وبين اقتراب ذات المساحات بالمادة وبالمكان ، وفي هذا الصدد يتعمد المصور أن يُضفي بعضاً من الزخارف والتقطيعات الملونة التي تعيد الذاكرة إلى الفتحات الزجاجية الملونة والأشكال الشعبية الجصية الموجودة في واجهات المنازل الصغيرة داخل الأحياء الشعبية العربية ، لكنه وهو ينثر الموتيفات العفوية هنا وهناك يحرص على التقشف فيها ، حتى أنها لاتمثل سوى إيحاءات مكانية عرضية.

على الواجهات البيضاء المتجاورة مع سطوح ملونة تنتصب هيئات قاتمة اللون ، مائلة الى الأسود ، تشبه النساء العربيات عندما يتوشحن السواد ، وهي نوع من التشخيصية اللاستعراضية ، فالمشابهة الحاصلة في العدد الأكبر من الأعمال مجازية ومرة أخرى يقاوم الشكل الانصياع التام للمرجعيات والمعطيات الواقعية , حينئذ يكتفي الرسام بالإشارات التشخيصية ، ليدفع التخييل الذهني إلى إحلال صور وتأملات جديدة للجسد والحضور الإنسانيين , يتبدى ذلك  بصورة أوضح في لجوءه إلى تخطيط سيلويت جسد أنثوي غير مكتمل ، يقف بنا على مشارف التشخيص دون أن يتوغل في نطاقاته ، فموسقة التواءات خطوط الجسد ، مع هندسة وصرامة المساحات  يجعل من النصوص البصرية أفق كوني مُسترسل ومشروع فني يرى الحياة ضمن جمالية لا يخفف من انتظامها سوى الحس التعبيري الذي يُغلف التفاصيل الزخرفية العالقة بأجزاء من التكوينات ، وكذلك تعبيرية الشخوص الشبحية ، واللغة اللونية المتواترة والمشتغل عليها بتأن بغية الانتقال بالأعمال إلى مستوى تتذاوب فيه الشحنات الوجدانية بالحالة الذهنية- المعرفية .

لقد تمكن الفنان (عياد النمر)من أن يجعل من خطابه مُقابل جمالي خلاق لتشيؤ الحياة ، يقيم قطيعة – بالمعنى الايجابي – مع الواقع الفعلي العادي ، عبر تثبيت الوجود البشري مجازاً ضمن المستويين الروحي والجمالي ، وذلك لإقصاء التباين بين إيقاعية ونبضية حياة الكائن في وجودها المحسوس وبين حضوره الروحي ،داخل كينونة فنية هي الأكثر حقيقية قياساً إلى الخارج ، إنها الحقيقة الخلاقة المتناسلة المتوهجة المتحررة من القيود الزمكانية ، وولوج هذه العوالم المبتكرة يوفر لنا  إمكانات التكشف والانكشاف ، وداخلها نعي ذواتنا ضمن كيان نقي تتحقق فيه الشفافية والحميميةُ ، والرضا الغامض  .

          وبلوغ الحقيقة في هذه المعارج الملونة ، تجربة إبداعية تقتضي استدعاء ملكات الحدس أو ما نسميه بــ (العيان التعاطفي) عندما يقوم الفن كما ترى (سوزان لانجر)  بموضعة الوجدان إلى الحد الذي يتسنى لنا تأمله وفهمه ، الغير قابلة للقياس أو الفهم المنطقي فيتم تحويل المعرفة الفنية إلى معرفة تصورية .

          هكذا فإن طاقة العالم وحياته الداخلية هي جذوة الموضوع الذي يشتغل عليه الفنان ، وقد أبتكر بمهارة فائقة ، وإرادة مُبدعة صياغته الخاصة التي مزجت النزوع الهندسي بالشعري .

          ويحرص الفنان في مجمل التجارب على عدم ترسيم حواف التكوين عندما يسمح لأجزاء منه باختراق حدود الشكل ، وكسر استواء النهايات ، ليصعب على العين تأطير الأعمال ضمن الحدود التقليدية ، المتداولة في لوحات الجدار ، مما يسهم في تفعيل مرامي العمل الذي يشكل بحركته هذه محاولة لاختراق الفراغ خارج النص ، وفي حالة كهذه يصير فضاء قاعة العرض جزء من فضاءات العمل, وتتخلق دينامية فاعلة تارة من الفراغ الخارجي إلى داخل النص , وطورا من داخل اللوحة إلى فراغ المكان ، مما يحفز الطابع الحركي للخيال على تكثيف الحركة ، ويمكن من قراءة عدم الانتظام الشكلي ، والحساسية اللونية ، ورمزية وتعبيرية الأشكال والخطوط وفقاً لمرجعيات ذات طابع وجودي ، معرفي ، وما ورائي .

          كذلك نستطيع أن نرى كيف أن تراسل الصور والدلالات الرمزية والمجال الفسيح من الاستعارات ليس بمعزل عن اللغة اللونية المتسمة بالنقاوة والعفوية ، فالمصور يوظف كفاءة اللون وفق علاقات تعبيرية ، ويبدي شغفاً بالنقاء اللوني ، كما هو واضح في أعماله التي تحافظ على البهاء والنورانية .

 

          ثمة موسيقى حالمة معاصرة تفصح عنها تجربة التشكيلي (عياد النمر) ، وهي تجربة تستحضر البصر والبصيرة عند الفنان والمتلقي على حد سواء .

Article 3

 

Al Nimer Works in Daring Color
By Ersilia Moreno
Special to The Star

 

Ayyad Alnimer's painting  exhibition at the Alia Art Gallery this week is one of self - expression. His work is a combination of many different techniques and materials. he has associated lithograph prints with oil and acrylic paints in a most original way and has created beautiful images of a simple, tranquil life through the contrasting mixtures of abstract and realist work.​


      Most notable about Al Nimer's work is the selection and intensity of his colors. The basic colors of the spectrum as well as their varying shades are employed without  limitation in his paintings. His use of purple, green, yellow, blue, and fuscia are daring and imaginative. The brightness of some colors almost require you to squint your eyes, and yet Al Nimer does not restrict himself to color brilliance to capture the eye's attention. He also goes on to cool down the colors to quiet, soft pastels.


      Animals and buildings are the most prominent subject in his paintings, but he has also experimented extensively with still lifes of flowers.  His works have very subtle Arabic themes to them but nothing overpowers the viewer.
 Of the many paintings on show, all of which are untitled, four deserve special recognition.


      One is of a quiet village man on his donkey. The striking background calls out that he has his wares for sale. Another interestingly illustrates a reverse in nature with a horse grazing on purple grass while the sky is green. In the third a pastel colored town stands mute against its deep dark sky.​


      The forth is only painting with an Islamic influence and it is absolutely enchanting. Al Nimer has combined a lithographic print with a picture of a seated worshipper. He uses an abundance of white and soft hues to create the image of tranquility between man and God.


      Al Nimer holds a degree in Fine Arts from the University of Cairo. However more important than a formal education in art is what the artist teaches himself. This well - read artist has not found it necessary to travel to supplement his knowledge and develop his style as so many other artists have done. His work is an illustration of his own language and self - inspiration, but he says his art has not been influenced by a particular artist or style. The exhibition continues until 1 April and is well worth a visit.

Article 4

 

Surprises from a Dynamic exhibition
By Vanssa Batrouni
Star Staff Writer

 

AT THE PETRA BANK Gallery this week, Ayyad Al Nimer surprises us with a dynamic exhibition that blends neoplasticism with representational art and flavors it with traditional motifs. The dazzling scales of colors and real life scenes are testifying to the flexibility and searching vision of a good artist.​
      In his latest work Ayyad doesn't seek to escape the material world but rather juxtaposes it with a radical abstraction.  Natural familiar objects, playing children, donkeys, bikes, houses, boats and cows are grafted onto abstract backgrounds moving within them, out of them or sharing the area with a complementing geometric pattern.
 Pure abstract elements, the circle on the square, clearly defined colors and strong straight lines rest above all the pictorial forms. The seemingly opposite style, although separated by a strong straight line that cuts below the center of each painting and adds a feeling of weight rather than division, are linked in various ways to create a harmonious composition.
      Ayyad Achieves a balance by accentuating the abstract or semi abstract shapes within natural objects. For example he draws attention (through color) to the rectangles and squares of houses windows and reduces the natural lines of landscapes to vibrant bands of colors, thus  revealing the energies and rhythms behind the form.
 Color works autonomously in the paintings, it is a pure element beyond the influence of the physical world and is therefore free act as a binding agent for the abstract, representational and decorative elements Ayyad brings together by denaturalizing the real and energizing the abstract.
      Universal and specific are brought together
      Ayyad develops the abstract symbols by raising their surfaces creating textural realities reminding us of the mechanical age. Yet, in some paintings, the square and the circle give way to the more intricate patterns of Arab calligraphy or the complicated network of wood carving providing one solution to cultural dilemma proving that traditional abstract patterns (and don't the color bands remind us of rational carpet designs) fulfill artistic functions equally as well. All abstracts refer to universals and form to specifics; by bringing the two together in one paintings Ayyad's work appeals to both the senses and the mind.
Although not  new in conception, Ayyad creates a personal rhythmic orbit with his strong high temperature colors and an equally strong physicality with thick knife and brush work.
      The abstract patterns help to interiorize an otherwise literal exterior and to either we can relate. The design often leaks into the natural view in his work and the natural view is inspiration for the design. It is Ayyad's assemblage of distinct symbols and forms which he simultaneously combines and separates that makes the exhibition so interesting of powerful colors that makes it visually and emotionally attractive.

Article 5

 

Olga Repina (Ukraine)

 

Ayyad Alnimer‘s Tradition of Predictiveness

 

“The real courage is to love life

knowing the truth about it.”

Sergei Dovlatov

 

“Never go back.”

Omar Khayyam

 

 

The problem of the future, or to put it more precisely, the problem of man and mankind having hopes for the future, has for many decades been under scrutiny by both the artists and recipients of visual arts.  The transience and mutability of time have been perceived by modern man as something frightening, as one’s reach towards the future offers no guarantee for happiness.

 

 Naturally, human beings have always wished they could lift the veil off the future and see beyond the wavering fog of the distant unknown.  This cognitive phenomenon can be explained, I believe, by the ordinary life experience of each of us—for very few of us are fully satisfied with our lives—so we peer into the future wishing to know what lies ahead beyond the curtain of time.  But as we do so, we do not wish to rely on any rules imposed on us, for where there are rules, there is also implied helplessness: if I must follow rules, without them I could do nothing…

 

The word "predictiveness" belongs to the vocabulary of those who are well adept at contemporary visual art.  The critics and the audience perceiving an image take up, as it were, the symbolic torch from the artist by which they become connected to his creative idea, and by which he transmits to them his own sense of life’s rhythm, his own perception and understanding of its essence. 

 

The integration of creative living and predictiveness is one of the pillars upon which the world-view of the artist as well as his acceptance of the fact that after his own life there will be lives of others are built.  In my opinion, this position taken by an artist forms, albeit indirectly, the artist’s essential responsibility to his audience.  This requires not only that the artist’s own personality be in harmony, but also that there be a specific, creativity-driving inner music in him, which, like the water of a scintillating fountain, erupts through his canvases. 

 

Ayyad Alnimer acknowledges that it is indeed music that gives him a boost to be creative—that music which he hears playing in his own soul, muffling whatever negative background noise the external life may try to interfere with, and powerfully breaking through in generous splashings of true talent into his paintings, enabling the audience to tune out the persistent noise of their own prejudices to life.

 

One of the functions of modern art is to promote an emotional awakening of man.  It is in this function that the creative work of Ayyad Alnimer is rooted, and it is why his paintings’ thematic structure appears nothing less than phantasmagorically brilliant.  A productive integration of the work of conscious and subconscious images allows the viewers to immerse themselves in the artist’s colorfully splashed images.

 

Aside from the quality of predictiveness so prevalent in his paintings, Ayyad Alnimer uses other powerful levers to influence the viewer.  The artistic conceptualization of the paintings’ structures—be it a portrait, or the artist’s famous triangular compositions—allows him to integrate into the canvases his reflections on the psychological structure of life, on humanity, on the self’s spiritual growth as a way towards resolution of the contradictions troubling the world.  Nor is it a full list of categories indirectly analyzed by the artist through the medium of storyline and psychologizing of his paintings.  Riding his colorful bursts as vehicles, we go beyond the limits of our own fantasy, we reach to such depths of our subconsciousness where we would never dare go without him.  One reminded of the words of Mikhail Osipovich Gershenzon: "Our consciousness is like a locomotive, having detached itself from the train and speeding away from it, keeps rushing forward leaving behind our sensory and volitional life."

 

Each viewer can see in Ayyad Alnimer’s paintings one’s own story: a story of love, a story of death, a story of one’s search for meaning.  Yet, his paintings are not instructions.  Instead, they provide the opportunity to deliberate on the I/We/They triad; they represent a kind of turning point in the transformation of ordinary time into the time subjectively experienced.  The artist, who experiences life in his own unique way, courageously shares his vision with us; he encourages us to personalize our perception of the world by utilizing the seemingly unstructured images of his paintings.  Thus, however indirectly, he inspires us to gain confidence in our own predictiveness, with the help of which our imagination may bridge our empiricism and our ends. 

 

"Say no to doom or helplessness!  Breathe deeply!  Live!  Love!  Can you hear?"  This is what the artist’s calling to us seems to be.  And we respond to his calling.

 

 

 

 

Translated from the Russian

by Eugene Alper

Article 6

 

فى تصاوير عياد النمر                      

محمد كمال

معزوفة طفولية بهيجة على أنغام الموسيقى
لاشك أن حاسيتى السمع والبصر هما محور الارتكاز لعملية الإدراك الإنسانى داخل الفضاء الوجودى الرحيب ، علاوة على الحواس الأخرى كالشم واللمس والتذوق ، والتى تساهم فى إكمال الدائرة الحسية أثناء عملية التواصل مع المعطيات المتعينة .. ولا ينفصل المبدع بالطبع عن ذلك السياج الفاعل فى عملية الخلق البشرى ، حيث نجده يستخدم أهم منافذ المعرفة للوصول إلى الهدف الإبداعى من أقصر طريق ، وهو ما نلحظه بوضوح فى التجربة التصويرية الأخيرة للفنان المصرى عياد النمر التى يعتمد فيها على التضافر المتعامد بين جوهرتى العين والأذن فى إطار نسجه لسجادة من البهجة الإحتفائية المشتركة للتفاعل مع المتلقى على صعيدى الإرسال والاستقبال معاً ، اعتمادا على نظرية " التراسل " بين السمعى والبصرى التى رسخت مؤخراً على الصعيد العلمى ، بما أدى بالضرورة إلى تشييد جسر يصلها بالحراك الإبداعى الإنسانى الممتد .
فإذا دققنا فى التصاوير الإكريليكية على التوال للنمر المعنونة ب (joyous celebration  ) أو الاحتفال البهيج ، سنجده يرتكن فيها إلى العنصرين البشرى والموسيقى من خلال غزله البنائى المتين كاللحمة والسداه بين الجسد الإنسانى والآلات النغمية نفسها ، مثل الدف والمزمار والأكورديون وغيرها من الأدوات التى تحمل الدلالة الصوتية الإيحائية فى شكلها الظاهر ، قبل أن تمسى عنصراً مؤثراً فى نطاق الإيهام البصرى بهيئته النهائية الحبلى بتلك المعزوفة البهيجة على أنغام الموسيقى .. أما المدهش هنا فهو تركيز عياد على الملمح الطفولى فى شخوصه بشكل عام ، خاصة الأنثوى منه ، ليؤكد أن البهجة الفياضة فى أعماله تبدأ من ذاته النازعة للتحقق والتطهر والسمو على طريق الإمساك باللحظة الإبداعية السحرية التى تتوحد فيها سيرة النفس الخلاقة ومنتجها فى آن .. وفى هذا السياق نجد عياد يحاول محاكاة الطفولة بداخله من خلال أبطال تصاويره الذين يحاول إشراكهم فى بهجته الإبداعية عبر تأطير مراحلهم العمرية بفهم تشريحى واع لطبيعة أجسادهم البشرية ، وهو ما يدفعه أيضاً للاندماج مع الآلية التحريفية (Interpolating  ) التى تعقب هذا الوعى ، ليصل ببنائه التصويري إلى المنطقة الفاصلة بين التلقائية والرصانة .. بين العفوية والمتانة .. وعلى جانب آخر نراه يتفاعل مع الجانب الأنثوى الطفولى كجنس مغاير كان ينعش كيانه الوجدانى إبان نفس الفترة من عمره الغض ، وهو ما يتجلى كذلك فى مجموعته اللونية المتركزة فى الأخضر الزرعى والأزرق المائى والبرتقالى الشمسى ، إضافة إلى الأحمر الملتهب كمدفأة وجدانية داخل معظم الأعمال ، حيث تبدو ألوانه بمثابة سلاف تراثى بصري ووجداني أرى أنه يسود النص البصرى العام لعياد النمر ، لخلق معزوفته الطفولية اللونية البهيجة على أنغام موسيقاه الصوتية ، حيث تقترب تصاويره فى خصوصيتها من قطع الخيامية والزجاج المعشق كثمرات للتفرد المصرى الشرقى المكانى والزمانى معاً .
وربما كان المعمار التصويرى عند النمر هنا مرسخاً لذلك الإيقاع الإحتفالى من خلال تقسيم تكويناته إلى لبنات بنائية متعاشقة يسرب من خلالها نوعاً من النقر البنائى الأفقى والرأسى ، حتى تصل عين المتلقى إلى الوشوش الطفولية بالمشهد كبؤرة تعبيرية جاذبة تدور حولها بقية مفردات الصورة ، بما يؤدى إلى انسجام نسيجى عام داخل فضاء العمل .
وأعتقد أن السيل الأبيض البهى الذى نراه يغسل عناصر المشهد هو المعادل الموسيقى الحدسى الباطن لذلك البناء التصويرى الحسى الظاهر ، بما يدعم رغبة الفنان فى غزل البهجة بين أضلاع التكوين ، بداية من اللون ، مروراً بالتكوين والإيقاع والضوء ، ونهاية بشخوصه الطفولية البريئة التى تستعذب حلاوة الأداء الموسيقى عبر آليات الدق والنفخ المولدة بدورها لشعور بشهية الرقص الجسدى المتمم للإيقاع البصرى فى ثنايا المشهد التصويرى .. واللافت هنا هو الرقة الفياضة البادية على وجوه أطفال النمر الذين يزاولون فعل البهجة دون افتعال أو تصنع ، حيث تراهم يستخدمون آلاتهم الموسيقية من خلال أداء وسطى خال من البرودة العاطفية أو الإلتهاب الشعورى ، وهو ما يبدو فى حركات أياديهم الحانية على الطبول ، وشفائفهم الأنثوية المضمومة على فوهات المزامير دون انتفاخ الخدود ، الأمر الذى ساهم فى ضبط الإيقاع الكلى للمشهد عند المقصد التعبيرى للفنان عبر سيطرة واضحة لديه بين العقل والوجدان ، ليظل عياد النمر مستتراً وراء شخوصه الطفولية يمرح ويلعب ويعزف ويرقص من أجل نقش معزوفته التصويرية الموسيقية البهيجة على جدران الوطن . 
                                                                          

    

Article 7

 

على بوابات الحلم .. لقاءٌ بين عالمين

قراءة في اللغة التشكيلية لعياد النمر

بقلم د. هبة الهواري

يقدم الفنان عياد النمر في معرضه الجديد المقام في قاعة آرتس مارت تلك اللغة التشكيلية الممتلئة الخصيبة ، المحملة بالثراء الدلالي ، تخرج عن الثابت في أساليب الخلق الإبداعي حيث المسطح التصويري ، ذلك المزج بين الألوان و المساحات و الخطوط و الهيئات ، و كأنه يطلُّ على اللوحة من برزخٍ بين عالمين يقوم بتركيبهما معاً ثم يصنعُ منهما عناصره التشكيلية الجديدة ، ويستغرقُ في تكوين العلاقات البصرية التي تنتمي إليه وحده : كل خط ، كل مساحة هندسية من تلك الفسيفساء التي يتركب منها عالمه ، كل قيمة لونية ضوئية لها حساب من مكونات تلك البنية ، حتى الصمت و الفراغ له وظيفة ، والقصدية في صوغ المادة في هارمونية تشمل النسيج كله حتى أننا لا نشعر بعملياته ومراحله المجهدة في الأداء التشكيلي و كأن تلك المخلوقات قد دبت فيها الحياة أمامنا ، ولكن حسب قواعد جديدة يمتلكها الفنان عياد النمر وحده .

قد يأتي الفنان عياد النمر بعناصره التشكيلية من البيئة المحيطة كمثل البنايات و البيوت و الأشجار و النخلات التي تبدو في نهاية الأفق ، و بعض الفتيات العازفات ، و أخريات راقصات ، تلك التراكيب العجيبة التي تومض بأطياف النوستالجيا ، حيث بوابات الحارات و نوافذ البيوت و المشربيات و النساء تطل من خلف الحجب الخشبية ، و ذلك الغموض و الشغف الذي يسري عبر الأثير، تلك التكوينات الهندسية القادمة من عالم الطفولة و الأيام الخوالي حيث اللعب و السيرك و المهرج ذي العينين الحزينتين ، تلك المفردات البسيطة مسلوبة القوة ، الدارجة ، و التي ربما تم استهلاكها تصنع المفارقة و الخلخلة و النقل لمركز القوة و خلق لنقاط الطرب و الدهشة و نقل الإيقاع مولداً الحركة و متعة التلقي .

عندما يصنع منها تآلفات من الراقصات الثلاث و حركاتهن فوق قاعدة اللوحة و هن يرفعن أقدامهن بخفة وسط عالم بهيج من الفسيفساء الملونة ، لا يمكننا الفصل بين البطلات الراقصات و بين النسيج الهندسي الملون الذي يضمهن ، ذلك العبث بالموسيقى الكامنة في الأشكال ، اللعب بوتيرة السريان ، التشكيل في منطقية الحركة و الإغلاق ، التساؤل الدائم والعودة إلى التلقي النشط الفعال عبر نسيج اللوحة التصويرية . حين يستخدم المنظور الغرائبي الداخلي في كل وحدة بشكل مستقل ، ثم نراه يستخدم تراكيب دالة على الوقت كقرص الشمس أو المكان كزرقة البحر في عمق اللوحة أو العادة أو التفاصيل اليومية في حياتنا، أو في ميراثنا الشعبي و الإسلامي كلوحات العازفات الموجودة في المتحف الإسلامي بالقاهرة ، أو تلك الأطباق الخزفية الإسلامية ذات البريق المعدني ، التي تحوي مناظر العزف و الرقص و الآلات . إن اللغة التشكيلية لدى عياد النمر تتميز بالتماسك Coherence حيث السهولة أو المرونة التي تتم بها عملية التنظيم أو التشكيل بين العناصر التشكيلية أمامنا التي يتميز بها في تلك المجموعة المعروضة في آرتس مارت ، عن طريق تكوين البيئة الخاصة . فالقدرة على تنظيم ما يراه المرء إلى وحدات قليلة متماسكة قابلة للتحديد هي أمر حاسم هنا ، وصلاحية عنصر معين فى ضوء المشهد الكلي هو جانب مهم من جوانب التماسك . وكذلك ، فإن تكرار عرض الوحدة البصرية الأساسية نفسها ( كمفردة الراقصة مثلا ) مع تباينات قليلة ، فى كل مرة .

يساعد على تشكيل المشهد وإدراكه بسهولة حيث استطاع أن ينفذ بذاته المبدعة إلى تلك العناصر الأولية عن طريق التركيب Complexity عبر عمليات الاندماج في عمق الفكرة التشكيلية و الاستغراق في تحليلها و البحث حولها و استنباط ما تشعه من إشراقات تصنع ذلك العالم الباهر الجديد وتأتي بالفكرة في ثوبها الأكثر نضجاً و إحكاماً . ذلك الغموض أو الخفاء Mystery الذي يطوف بين اللوحات ، و يستثير طاقة الكشف و التلقي النشط خلف تلك العناصر الغنية كذلك اختيار نمط التتابع للعناصر التشكيلية الذي يستطيع المشاهد التقاطه بصورة ممتعة بصرياً ، كتلك الفتاة الوحيدة التي تميل برأسها و تلك الأقواس التي يصنع منها جسدها و المساحات المموهة من الألوان الساخنة في منطقة الصدر و كيفية صناعة موضع التقاء ردفيها و ذراعيها في حركة مائلة .

على الرغم من ذلك الغموض المحبب إلا أن اللوحات تتمتع بتلك الصفة البارزة التي تميز الأعمال الفنية التشكيلية الناجحة و هي القابلية للقراءة Readability في إطار من الثراء الدلالي المنفتح على آفاق التلقي التشكيلي الرحيب . فوجود الاتجاهات المتتابعة نحو النوستالجيا أو الحنين إلى الماضي و التي تومض من حين إلى آخر في أعمال النمر عن طريق استخدام تقنيات التناض بين العناصر التشكيلية القديمة الكامنة في الذاكرة البصرية لدينا و بين العالم المتميز بالجدة و الطرافة الذي يقدمه عياد النمر في لوحاته حيث حضور الأسطورة الشعبية أو استلهامها ككيان مستقل مشع يسكن المسطح التشكيلي لديه و يمتزج في شرايينه مكوناً وجوداً جديداً مستعصياً على الإسقاط ، منفلتاً من غواية الزخرفة و الترصيع .

كما في تلك اللوحة التي يسكنها وجه الفتاة يلوح بين النوافذ و يتردد شكل العقد المعماري نصف الدائري في وجه الفتاة ذات الشعر القصير ، المشكل على هيئة أقواس أيضاً ، وذقنها القوسية مثل العقد الذي يظللها ، و القوس المتردد في نهايات النوافذ الخشبية القديمة التي سقطت بعض أجزائها في التفاتة رشيقة نحو الماضي ، حيث منازل الجدات في الحارات المصرية العتيقة ، ثم القوس نصف الدائري الذي يمثل جسدها البض. تلك(البين نصية) عند النمر تقوم باحتراف و اقتصاد على تلك العلاقة الحيوية بين العمل التشكيلي الذي يمثل الفنان و بين ما يسميه رولان بارت بالكتاب الأكبر و هو الكتاب الذي يضم كل ماكتب بالفعل ، - أو بوسعنا أن نقول كل ما تشكل بصرياً من قبل - أي أن النص الحاضر يحمل في شفراته بقايا و آثاراً و شذرات من ذلك الكتاب الأكبر و أنه جزء من كل ما تمت كتابته .

د.هبة الهواري

القاهرة في سبتمبر2019

  • facebook